Lovis Corinth zählt neben Max Liebermann und Max Slevogt zu den bedeutendsten Künstlern der Moderne in Deutschland. Zum 100. Todestag des Künstlers zeichnet diese Ausstellung nach, wie Corinth seit dem frühen 20. Jh. betrachtet, bewertet, gefeiert und auch kritisiert wurde – und wie sich diese Sichtweisen mit der Zeit wandelten. Im Zentrum steht dabei nicht so sehr sein Werk, sondern vielmehr die Geschichte seiner kunsthistorischen Einordnung und öffentlichen Wahrnehmung. Gezeigt werden insbesondere Dokumente der Rezeption: Publikationen, Ausstellungskataloge, kunsthistorische Beiträge, Fotografien von Zeitgenossen und Instrumente der Forschung wie etwa der Werkkatalog und dessen komplexes Schicksal.

 „ECHOES. Skin Contact“ erforscht das Zusammenspiel von Körper und medialer Realität.
Die jährliche Live-Ausstellung ECHOES untersucht weiterhin das Zusammenspiel von menschlichen Körpern und medialer Realität. In seiner vierten Ausgabe kehrt ECHOES mit zwei jahresübergreifenden Rechercheprojekten und einem reichhaltigen Programm aus Performances, Konzerten, Gesprächen und Live-Videoinstallationen zurück. Parallel zur Ausstellung „Für Kinder. Kunstgeschichten seit 1968” widmet sich ECHOES unter dem Titel „Skin Contact” dem Erwachsenwerden in einer von digitalen Technologien geprägten Welt und fragt, wie wir uns mit anderen Menschen, mit Technologie und nicht-menschlichen Wesen verbinden.
An zwei Wochenenden laden Künstler*innen mit KI-Babies, amphibischen Orakeln, geisterhaften Avataren und den Stimmen entfernter Verwandter zur intensiven Reflexion ein. Ihre Darbietungen rufen die wechselhaften Emotionen des Erwachsenwerdens hervor: Begehren und Zweifel, Sehnsucht und Unsicherheit, Einsamkeit und Selbstfindung.
Das erste Wochenende endet mit einem gemeinsamen Abendessen, gestaltet von der Koch- und Performancekünstlerin Angel Dimayuga. Das zweite Wochenende richtet den Fokus auf unsere Beziehungen zur Natur. Die Künstlerin Damsel Elysium präsentiert eine von den vier Elementen inspirierte Performance, während der Musiker Lechuga Zafiro das Publikum in ein vielschichtiges multirhythmisches Universum mit Field Recordings aus Südamerika mitnimmt.

In der Ausstellung news7 sind Werke der Neuzugänge zur Künstlervereinigung FFB e.V. des Jahres 2025 zu sehen: Thomas Beschorner, Alexandra Hendrikoff, Olaf Probst, Amelie Ries, Stefan Schessl, Katinka Schneweis und Maria Watzke stellen Arbeiten aus.

Wer es nicht in die Kunsthalle Weishaupt nach Ulm schafft, hat die Möglichkeit Willi Siber in der Galerie Smudajescheck in München zu sehen. Sein umfangreiches Werk, das sich in zahlreiche Werkserien auffächert, zeigt seine dreidimensionalen Ursprünge in der Holzskulptur. Die meisten seiner Arbeiten sind von seiner überschwänglichen Freude an Farbe und Oberflächen geprägt. Seit über 50 Jahren entwickelt der unermüdlich neugierige Künstler sein Werk weiter, erfindet neue Texturen, Reliefs und Oberflächen. Für Willi Siber ist neben der kreativen Idee die professionelle handwerkliche Qualität seiner Arbeiten Voraussetzung, um Kunst zu sein. Er ist in zahlreichen angesehenen privaten und öffentlichen Sammlungen international vertreten.

Die Ausstellung in contrast untersucht Schwarz und Weiß als autonome Ausdrucksträger einer konsequenten ästhetischen Reduktion. Im Spannungsfeld von Kontrasten, Materialität und Wahrnehmung entfalten die gezeigten Werke dabei eine vielschichtige Reflexion über Form, Präsenz und Wirkung jenseits der Farbe.
Gezeigt werden Arbeiten von Donald Baechler, Stephan Balkenhol, Ivan Baschang, Joseph Beuys, Christian Boltanski, Jonathan Bragdon, Christo, Gregor Hildebrandt, Alex Katz, Jannis Kounellis, Ryan Mendoza, Mimmo Paladino, Sean Scully und Harry Tilman.

Seit 2020 prägt *transit art mit großformatigen Wandarbeiten den öffentlichen Raum Rosenheims. Nationale und internationale Künstlerinnen und Künstler haben mit ihren Interventionen neue Perspektiven und Räume für Dialog eröffnet. Die Ausstellung OUTSIDE INSIDE führt diesen Dialog in der Städtischen Galerie weiter – nicht als bloße Übertragung des Draußen nach Drinnen, sondern als eigenständige Präsentation bildnerischer Arbeiten. Noch nie zuvor waren alle bisher an *transit art beteiligten Künstlerinnen und Künstler gemeinsam in einer Ausstellung vertreten. So zeigen über 30 internationale Positionen ein einzigartiges Panorama zeitgenössischer Kunst – vielfältig, kraftvoll und inspirierend.
Mit OUTSIDE INSIDE wird deutlich: Die in Rosenheim vertretenen Positionen sind Teil einer internationalen zeitgenössischen künstlerischen Gemeinschaft, die sowohl im Stadtraum als auch im musealen Kontext überzeugt und inspiriert.

Die Gruppenausstellung ist eine künstlerische Begegnung der besonderen Art: Aus Sachsen kommen Henriette Grahnert, Jan Kummer, Nina Kummer und Tabitha Rub, aus Franken Sebastian Tröger und Steve Viezens. Ironie trifft auf Nostalgie, Heimat auf Humor. Und auch die KI hat ihre Finger im Spiel. Im Zusammenspiel der Werke zeigen sich kritische, humorvolle und manchmal melancholische Reflexionen über den Zustand der Gesellschaft, der Kunst und unseres Planeten. Der Titel „Die Wahrheit trägt bequeme Pantoffeln“ kreist wie ein Satellit über der Ausstellung. Dieser Aphorismus verweist darauf, wie einfach und unscheinbar im Grunde die Wahrheit ist im Gegensatz zu aufwändigen, abwegigen Geschichten oder Theorien, die Menschen manchmal erfinden.
Jan Kummer entführt mit seinen erzählerischen Werken in eine Welt voller Dada-Ironie, Humor und Melancholie. Seine Hinterglasbilder, in denen er etwa Essen und Essensgedecke oder arbeitende Menschen festhält, werden zu Ikonen einer Mangelwirtschaft, der sich geistreich trotzen lässt. Auch seine Modellhäuser auf wackligen Beinen sind in ihrer absurden Ästhetik und Architektur der Wirklichkeit näher, als man vielleicht wahrhaben möchte.
In den surreal anmutenden Bildern von Tabitha Rub agieren farbenfrohe, fellbedeckte Wesen ohne Gesicht. Die Künstlerin verleiht ihnen menschliche Züge, so dass sie als Stellvertreter unserer selbst erscheinen, mit allen Freuden, Sorgen und Absurditäten. Dazu gesellen sich mehrere Holzgestänge von Sebastian Tröger, an denen seine Leinwandbilder wie Fahnen an einem Mast befestigt sind. Es sind intensive, flüchtig gemalte Bilder von emotionaler Präsenz.
Nina Kummer setzt sich mit Themen wie Geschlechterrollen und Identität auseinander in Textbildern mit Linolschnitt-Technik.
Im formalen Kontrast dazu steht die Malerei in altmeisterlicher Technik von Steve Viezens. In seiner für die Ausstellung entstandenen Serie, in deren Zentrum fränkische, fleischlastige Kost steht, nutzt er die KI, um eine ohnehin unerklärliche Welt noch mehr der Wahrheit und Überprüfbarkeit zu entrücken.
Auch in Henriette Grahnerts Bildern und Collagen wird scheinbar Reales abstrahiert und verunklärt. Die Künstlerin spielt gekonnt mit unterschiedlichen Malereitraditionen, die sie mit gestischen Pinselstrichen und figurativen Elementen kombiniert. Mit hintersinnigem Humor persifliert sie Alltägliches oder auch den Kunstbetrieb und legt so deren oft absurden und tragikomischen Kern offen.  Programmflyer „Die Wahrheit trägt bequeme Pantoffeln“

Mit der Ausstellung Wolle. Seide. Widerstand. widmet sich das Museum Angewandte Kunst nach 45 Jahren erstmals wieder ausschließlich dem Thema Teppich – in einer Zeit, in der sich das große Interesse an handgefertigten Textilien aller Art in einer auffallenden Anzahl an internationalen Ausstellungen widerspiegelt.
Dabei zielt diese Ausstellung darauf ab, Teppiche nicht aus einem stilgeschichtlichen Blickwinkel zu betrachten, sondern sie vielmehr im Interesse einer Entwicklungslinie zu zeigen, die außerhalb einer traditionellen westlichen Teppichforschung steht.
Schon der Titel deutet auf neue Fragestellungen hin: Kann etwas Widerständiges in und mit textilen Materialien stattfinden? Und wenn ja, auf welche Weise verkörpern dann gerade Teppiche eine „Ästhetik textilen Widerstands“? Diesbezüglich stehen jene Perspektiven der mit jüngsten Werken aus dem ersten Viertel des 21. Jahrhunderts vertretenen internationalen Künstler:innen im Fokus der Ausstellung, die im Teppich, der zum offenen Kunstobjekt geworden ist, mit unterschiedlichen Aspekten von Widerstand einhergehen.
Im Zuge der hier gezeigten künstlerisch-emanzipatorischen Gestaltung von Teppichen nehmen Themen aus den Bereichen politischer Widerstand, Widerstandskraft (Resilienz), wie auch Widerstandsfähigkeit (Resistenz), individuelle Formen an.
Die in Gräfelfing lebende Künstlerin Rose Stach, die viele bereits aus Ausstellungen des KKG kennen, ist eine der 15 teilnehmenden Künstler:innen. Sie erhielt 2013 den 2. Gräfelfinger Kunstpreis und war unter anderem 2019 bei „Expedition“ im Alten Rathaus zu sehen.

Der Weißenburger Kunstpreis wird 2026 zum siebten Mal vergeben. Bis zum 31. März haben alle Künstler in jeder Sparte die Möglichkeit sich online mit dem Kontaktformular zu bewerben!
Es werden Preisgelder in Höhe von 2.000, 1.000 und 500 Euro ausgelobt sowie ein Publikumspreis mit 250 Euro.
Die Kunstschranne ist ein besonderer Ausstellungsort im Herzen der Altstadt mit langer Geschichte.
Sie diente als Lager- und Verkaufsstelle für Getreide und Mehl, bis sie 1863 abgebrochen und durch einen Neubau nach Plänen des Architekten Eduard Bürklein in historisierender Form ersetzt wurde. Diese Getreideschranne wurde ab 1925 als Feuerwehrhaus genutzt. In den Jahren 1990/91 wurde die Schranne restauriert und von störenden Einbauten befreit.
Heute ist sie als „Kunstschranne“ ein beliebter Ausstellungsort für Kunst aller Art. Künstler finden hier einen passenden Rahmen, um ihre Werke ansprechend zu präsentieren.