Seit den 80er Jahren erforscht Miguel Chevalier die Möglichkeiten des Computers und neuester Technologien, und inzwischen auch der Künstlichen Intelligenz. Dabei schafft er Kunstwerke, die virtuell, digital, oft immersiv und zugleich doch immer auch poetisch sind. Weil er aber außerdem stets in der Kunstgeschichte verwurzelt ist, wird er zum Wegbereiter für eine Versöhnung zwischen Mensch und Technologie und zeigt uns, wie ein Dialog funktionieren könnte. Denn seine Fragestellungen berühren uns genauso wie die Medien und die Ästhetik, die seine Kunst zeigen.
Zu sehen sind Skulpturen und Zeichnungen, die mithilfe von 3D-Druck und Robotik realisiert werden, ebenso wie Videos und Installationen.

Traditionell zeigt die erste Ausstellung im neuen Jahr keramische Kunst. Unter dem Titel „Figürlich“ präsentieren 40 internationale Keramikerinnen und Keramiker ihre außergewöhnlichen Skulpturen und Reliefs. Unterschiedliche Techniken und persönliche Handschriften machen jedes Objekt einzigartig. In der Verbindung von Form, Material, Glasur und Farbe entstehen dabei Bilder von großer ästhetischer Kraft. Erzählerische Kompositionen – manchmal alltäglich, manchmal skurril oder frech – erlauben Einblicke in Erfahrungen, Erinnerungen und Persönlichkeiten ihrer Schöpfenden.
Die Ausstellung regt dazu an, über das Verhältnis von Sichtbarem und Unsichtbarem, von Beobachtung und Interpretation nachzudenken und die besondere Ausdruckskraft keramischer Figuren zu entdecken.

In der Ausstellung „Die Schönheit des Unvollkommenen“ präsentiert der DG Kunstraum Werke von elf Stipendiat:innen des Cusanuswerks. Die Ausstellung widmet sich der Frage, wie sich Schönheit in Formen des Bruchs, der Schlichtheit und der Vergänglichkeit manifestiert. Gezeigt werden künstlerische Positionen, die Heilung und Versehrtheit als Ausgangspunkt nehmen. Heilung bedeutet in diesem Kontext nicht zwangsläufig Wiederherstellung im klassischen Sinn. Sie kann auch darin bestehen, das Unvollkommene anzunehmen.
Gerade in einer Zeit, die von Optimierungsdruck, Beschleunigung und glatten Oberflächen geprägt ist, lädt diese Ausstellung dazu ein, den Blick für das Fragile neu zu öffnen: Brüche, Narben und Spuren der Zeit erschließen ihre Tiefe erst jenseits des ersten Anscheins – sie verlangen nach mehr Aufmerksamkeit und Hinwendung.

Mit der Ausstellung Wildlife Photographer of the Year kehrt ein Publikumsliebling zurück ins Museum Mensch und Natur. Gezeigt werden die preisgekrönten Bilder des gleichnamigen Wettbewerbs für Naturfotografie, der als größter und renommiertester seiner Art gilt und seit 1965 jährlich vom Natural History Museum London ausgerichtet wird. Mit fast 100 faszinierenden Bildern bietet die Ausstellung bewegende Einblicke in das großartige, vielfältige und manchmal auch dramatische Naturgeschehen.
Mehr als 4.000 Fotografinnen und Fotografen aus 113 Ländern haben mehr als 60.000 Bilder eingereicht, die uns die reale Welt – ihre schönen ebenso wie ihre grausamen und hässlichen Seiten – zeigen und die emotionale Kraft der Fotografie nutzen, um das Publikum in ihren Bann zu ziehen. Das Spektrum reicht von anrührenden Tierportraits, bezaubernden Pflanzen­bildern dramatischen Jagdszenen bis zu atem­beraubenden Unterwasseraufnahmen und Bildern, die uns die Natur in künstlerischer Verfremdung ganz neu sehen lassen. Jedes dieser Fotos dokumentiert die unglaubliche Vielfalt der Tier- und Pflanzenwelt, mit der wir unsere Welt teilen, und verdeutlicht die Rolle eines jeden von uns, deren Zukunft zu schützen.

Ein Jahrhundert und die künstlerische Avantgarde zweier Kontinente liegen zwischen der Kunstproduktion von Heinrich Campendonk (1889-1957) und dem 1986 in Boston geborenen Austin Eddy. Die Arbeiten des Künstlers, der in Brooklyn/ New York lebt und arbeitet, sind derzeit in zahlreichen Ausstellungen in den USA und Europa zu sehen. Sein Werk bewegt sich auf dem schmalen Grat zwischen figurativ und abstrakt und erinnert an kubistische Formen des 20. Jahrhunderts, an das frühe Farb- und Formenvokabular Campendonks, an seinen metaphorischen Einsatz von Tieren und Natur im Sinne von Stellvertretern eines spirituellen Zugangs zur Welt. 
Die Nähe der Dauerausstellung mit den Werken Campendonks wird so zu einem spannenden Dialog, der einige nie gezeigte Werke aus dem Museumsbestand in den Fokus rückt. Erstaunliche Parallelen zwischen beiden Künstlern werden sichtbar. Es sind nicht nur die komplementären Kontraste in Farbe und Format, sondern auch der Einfluss von Volkskunst und Kunsthandwerk, womit die künstlerische Praxis von Campendonk als auch Eddy den Betrachtenden für sich gewinnt.

Das Neue Museum zeigt in Kooperation mit The PhotoBookMuseum, Köln die erste große Fotobuch-Retrospektive des britischen Magnum-Fotografen Martin Parr (1952-2025). Wie kein anderer hat Parr seit den 1980er-Jahren die Absurditäten der globalen Konsum- und Freizeitkultur eingefangen und in eine eigene Bildästhetik übersetzt. Als leidenschaftlicher Sammler und Vermittler hat er aber auch seit der Jahrtausendwende das Fotobuch ins Bewusstsein der Gegenwartsfotografie gebracht.
In einer aufwendigen Inszenierung, angelehnt an das Erscheinungsbild einer Hotelanlage, lädt die Ausstellung GRAND HOTEL PARR ein, die über 200 Fotobücher des Künstlers zu erkunden. Der Parcours durch die unterschiedlichen Räume des Hotels, wie dem Billard Room, dem Dining Room oder der Fashion Boutique, greift verschiedene Themen aus Parrs Fotobüchern auf. Das Neue Museum Nürnberg lädt Sie zu einem Blickwechsel ein, der eine bizarre Welt zwischen Protz und Kitsch, Vier-Sterne-Luxus und „all inclusive“ aufzeigt und über alle sozialen Schichten und nationalen Eigenheiten hinweg verbindende Momente findet.

Ob aus Holz, Epoxidharz oder Stahl – Willi Sibers Arbeiten ziehen die Betrachtenden unweigerlich in ihren Bann, faszinieren, überraschen, schaffen irritierende Wahrnehmungssituationen. So verleiht der Künstler den Werkoberflächen glänzende und spiegelnde Texturen, die das Licht reflektieren oder durchscheinen lassen.
Die Ausstellung „Cosmos Color“ beleuchtet in einer Einzelschau auf zwei Etagen das Oeuvre des renommierten Künstlers aus dem Oberschwäbischen, der seit über fünf Jahrzehnten enorme Beobachtungsgabe und Imaginationskraft, Mut und unstillbare Neugier hinsichtlich neuer technischer Möglichkeiten und Entwicklungen in Form- und Bildfindung beweist.
Von der Bildhauerei kommend, weisen doch all seine Arbeiten auch eine malerische Dimension auf. Sei es in den filigranen Gitterobjekten aus Holz oder bewegten Stahlskulpturen, sei es in raumgreifenden Wandobjekten oder reliefierten Tafelbildern. Er spielt nicht nur mit Sehgewohnheiten und Materialerwartungen, sondern auch mit den klassischen Genres der Malerei und Bildhauerei. Die Verschränkung von Fläche und Raum, die Auseinandersetzung mit der Wirkung des Materials aus der Ferne und von Nahem ziehen sich durch sein Werk. Schönheit, Perfektion, Sinnlichkeit und Ästhetik sind für ihn dabei wesentliche Aspekte.
Zu sehen sind Werke aus der Sammlung Siegfried und Jutta Weishaupt, Leihgaben privater Sammler*innen sowie aus dem Privatbesitz des Künstlers.

Die ehemalige Obere Badstube hat eine bewegte Vergangenheit und wurde früher als öffentliche Badeanstalt, später als Wanderarbeitsstätte und Obdachlosenunterkunft genutzt. Seit 1993 ist im ersten Obergeschoss die städtische Kunstgalerie untergebracht. Über das Ausstellungsprogramm entscheidet der Galeriekreis, dem Beauftragte aller Gemeinderatsfraktionen und interessierte Bürgerinnen und Bürger der Stadt angehören. Ein weiterer konzeptioneller Schwerpunkt gilt grenzübergreifend der zeitgenössischen Kunst der Region. Diesen Winter wird die brandneue Wanderausstellung von Tetsche gezeigt. Sie umfasst rund 100 Bilder und einige seiner Rebusse. In seinen unverwechselbaren Cartoons sind wie immer viele humorvolle Details versteckt – eben typisch Tetsche! Außerdem begibt sich die Ausstellung auf die frühen Pfade der Entstehung des Kalauers. Als Tetsche sich als Cartoonist selbstständig machte erschienen erste Zeichnungen in „Pardon“, „Zeit“, „konkret“ und „Hörzu“. Für den „stern“ erfand er die Kultseite „Neues aus Kalau“, die dort 40 Jahre lang wöchentlich exklusiv erschien. Seit 2012 ist der vielfach ausgezeichnete Künstler Pate der europäischen Initiative „Schule ohne Rassismus – Schule mit Courage“. Er lebt hinterm Deich in der Nähe von Hamburg und arbeitet dort als freier Künstler, Cartoonist und Autor.

Die Danner-Stiftung führt 2026 wieder den landesweiten alle drei Jahre stattfindenden Wettbewerb für das Kunsthandwerk in Bayern durch, um neue gestalterische Ideen und Entwicklungen im Kunsthandwerk zu fördern. Dabei wird auf die künstlerische Qualität der Arbeiten besonderer Wert gelegt. Der Wettbewerb ist mit der Vergabe des Danner-Preises in Höhe von 20.000.- Euro dotiert. Über die Vergabe des Preises entscheidet eine Jury.
Unabhängig von der Staatsbürgerschaft sind zur Teilnahme alle Kunstwerker:innen berechtigt, die über eine besondere kunsthandwerkliche Begabung sowie eine ausgeprägte Motivation verfügen, sich im gestaltenden Handwerk professionell ausdrücken zu wollen und ihren ständigen Wohnsitz oder Werkstattsitz seit mindestens fünf Jahren in Bayern haben oder ihre Berufsausbildung in Bayern absolviert oder mehrere Jahre in Bayern gelebt oder gelehrt und in ihrem kunsthandwerklichen Schaffen weiterhin einen intensiven Bezug zu Bayern haben.
Zugelassen sind Arbeiten aus allen Bereichen des Kunsthandwerks (ohne Fotografie). Der Danner-Preis würdigt die Eigenständigkeit der Idee, die exemplarische Formgestaltung und die handwerkliche Ausführung der Arbeit.
Die Arbeiten dürfen nicht älter als zwei Jahre und noch nicht prämiert worden sein.
Für den Danner-Preis 2026 wird im November 2026 die Preisverleihung im Staatstheater Nürnberg und die Eröffnung der Ausstellung im Neuen Museum in Nürnberg stattfinden. 

Der MONOM Kunstpreis richtet sich an Hochschulstudierende einer staatlichen Kunsthochschule in Deutschland, die in 2026 ihr Studium abschließen werden und an Absolvent:innen, die ihr Studium in 2025 abgeschlossen haben. Der Preis dient der Förderung von Kunststudierenden im Übergang in die freie künstlerische Praxis. Die MONOM Stiftung zeichnet mit dem Kunstpreis Personen aus, die sich in ihrem künstlerischen Werk kritisch mit der Gesellschaft auseinandersetzen. Aus allen Einreichungen wählt die Jury bis zu drei Preisträger:innen aus, das Preisgeld beträgt insgesamt 9.000.- Euro. Zusätzlich können alle Preisträger:innen an einer Weiterbildung zur Entwicklung ihrer beruflichen Laufbahn bei Birgit Effinger teilnehmen.
Ausgezeichnet werden künstlerische Werke, die sich kritisch mit Ideologien von Ungleichheit wie Antisemitismus, Rassismus, Misogynie auseinandersetzen oder Werke, die gesellschaftliche Konflikte aufgreifen und zu ihnen Stellung beziehen. 

Endlich gibt es eine Lösung, um Bilder an Seilen und Galerieschienen bündig zur Wand zu hängen – ohne das sonst typische Kippen des Bildes nach vorne. Mit dem innovativen BIGFOOT der Marke tiltSTOP hängen Bilder und Gemälde schön flach an der Wand.
Egal, ob das Bild in einer Ausstellung, in der Galerie oder an der Wand zu Hause hängt: Die geniale Seilumlenkung führt das von oben kommende Seil an den Bildschwerpunkt und richtet dadurch das Kunstwerk parallel zur Wand aus. Das Neigen nach vorne wird verhindert. Ein Traum für alle Künstler, Galeristen und Ästheten, die mit dem Bigfoot ihre Gemälde perfekt in Szene setzen können. Jedes Bild erfährt durch die verbesserte Hängung eine deutliche Aufwertung.
Sieben verschiedene BIGFOOT-Größen garantieren eine perfekte Hängung für jedes Bild und sind für alle Seilsysteme bis 2 mm Durchmesser und Galerieschienen geeignet. Der Bigfoot ist leicht zu installieren und kann immer wieder verwendet werden. Er ist ideal für Holzrahmen, Keilrahmen und Holzkörper. Alu- und Metallrahmen müssen vorher mit dem Lochbild des Bigfoots versehen werden.
Alle Informationen und den BIGFOOT zum Kaufen gibt es im onlineshop auf www.tiltstop.com